Danske Grafikere

En udstilling af Eleanor Havsteen-Franklin

Udstillingsperiode: d. 21. juli 2023 – d. 13. august

Event d. 12. august kl. 13-15

Pressemeddelelse

Havsteen-Franklin udstiller kobbertryk og keramiske værker som er udviklet gennem hendes samarbejde med videnskabsmanden Dr Sebastian Schornack, Sainsbury Laboratory Cambridge University. Hans forskning i planter og mikroorganismer kobles til hendes kunstneriske undersøgelser af flora, fauna og organiske former, ofte i relation til vores egen krops skrøbelige skønhed. Hendes værker er optaget af, at udforske en visuel legemliggørelse for det sammenvævede forhold mellem botaniske og biologiske former, for at reflektere over økosystemernes og menneskelivets skrøbelighed og resiliens.

Havsteen-Franklin har arbejdet med kobbertryk siden hendes MA Printmaking fra University of Arts London (2007), hvor udforskningen af overfladen er et vigtigt aspekt. Det ses i motiverne hvor tankerne føres hen mod den behårede hud, organernes strukturerede og perforerede overflader eller naturfænomeners organiske mønstergentagelser. Overfladebearbejdning er også i fokus for de tekniske arbejdsprocesser hvor hun varierer mellem styrede og tilfældige ætsninger og ved at indarbejde broderi i nogle af værkerne på Japansk papir som i ‘Incrementum’. Trykning af den samme plade i forskellige farvenuancer, giver mulighed for at undersøge ideen omkring ’the multiple print’, og hvordan de forskellige farvekombinationer ændrer associationer for billedets motiv. I hendes keramiske værker videreudvikles hendes tanker og undersøgelseslinjer omkring naturlige former og ’levende processer’ i 3D. De keramiske skulpturer er delikate og viscerale, og de forskellige glasurer og oxidvaske muliggør yderligere udforskning af de organiske og ‘cellulære’ overflader, teksturer og farver.

Eleanor har været bosiddende i England siden 1994, og er praktiserende billedkunstner og kunstterapeut, uddannet i kunst og psykologi fra Chester University (1997) og i kunstterapi fra Hertfordshire University (1999). Udvalgte soloudstillinger omfatter Gyldendal, København (2019), De Queeste Belgien (2018) og 1. pris ‘Pushing Print’ soloshow, Margate (2013). Gruppeudstillinger omfatter Royal Academy Summer Exhibition; Wells Arts Contemporary; ’Health and the Climate & Ecological Emergency’ UCLH London; Kyoto City Art Museum, Japan; Guanlan Print Biennale Kina; Northern Print Biennale, Newcastle. Samlinger: Clifford Chance Collection (UK), Victora & Albert Collection (UK), Guanlan Print samling (Kina) og Douro Print Collection (Portugal).

Hun kuraterede udstillingen ‘The Poetics of Otherness’ på Pratt Institute, New York (2019) og blevet tildelt adskillige priser og artist residencies. Sammen med digteren Tomas Thøfner og Line Esbjørn udgav de Sammenfiltret i 2016. I november udstiller hun på The Royal Geographical Society i London, med værker inspireret af Grønland’s kultur og natursyn. Hun udstiller for tiden en større samling af grafik, keramik og tegninger på Museet Holmen i Løgumkloster.

www.eleanorhavsteenfranklin.com  @eleanorhavsteen.art

Tidligere: I dag kan vi ikke lide mit ansigt

En performance med Maya Peitersen

D. 23. juni kl. 17

Tidligere udstilling: Sankt Hans salg for medlemmer i juni

Tidligere udstilling:

I’ll Recognize Her by Her Dancing Shoe

En udstilling af Rune Bering

Udstillingsperiode: d. 27. maj – d. 13. juni 2023

Pressemeddelelse/ Press Release:

The exhibition delves into the traces we leave, often unknowingly, on- and offline. Like Cinderella, who accidentally left a slipper behind as she rushed from the party at midnight. In the exhibition I’ll Recognize Her by Her Dancing Shoe, artist Rune Bering revisits the old fairytale and interprets it through contemporary concerns about privacy and the invisible personal information that we constantly scatter unintentionally across our digital and analogue worlds. In the story, the prince used the lost shoe to track down Cinderella and to identify her as the shiny potential princess-consumer she was behind the veil of ashes and torn clothes. The shoe’s unique fit is an example of metadata: its origin was Cinderella’s foot. Comparable to the abandoned shoe, Rune Bering found a DVD of the Czech 1973 film, Three Wishes for Cinderella while dismantling old laptops for an artwork. The movie was especially popular in East Germany (GDR) and is gaining new popularity today, pointing to a relationship between surveillance and the dangerous romance of being found and recognized. The metadata imbedded in seemingly generic uploaded or printed photographs contains detailed personal information and encompasses GPS location, speed of movement, and height above sea level of its moment of origin. Personal information is a major currency in the global digital economy, where this data is voraciously collected and traded. Through photogravure, laser print and sculpture, Rune Bering continues his artistic exploration of the infrastructures that create the frameworks of meaning of our digital media, cultures, and practices.

Tidligere udstilling: Industrial and Horticultural Metaphors

En udstilling af Sam Derounian

Udstillings periode: d. 6. maj – d. 21. maj 2023

Pressemeddelelse:

Til sin soloudstilling i Danske Grafikeres Hus vil kunstneren vise serigrafi, der kombinerer naturlige og industrielle billeder viklet ind i den menneskelige figur og sat i håndmalede miljøer.

Udstillingen beskæftiger sig med temaer om menneskers forhold til teknologi og dens indvirkning på velvære og selvopfattelse, og den tager sit navn efter et foredrag af den britiske pædagogiske filosof Ken Robinson. Robinson sammenlignede uddannelsesmodeller fra det moderne vest med industriens og mente, at de mere ideelt set burde ligne gartneriernes, hvis eleverne skulle trives og udvikle sig.

Derounian anvender Robinsons ideer om udvikling og velvære generelt i forbindelse med hans nye værk til udstillingen; Hans allegoriske billeder udforsker de atomiserende og isolerende virkninger af teknologiens allestedsnærværende og naturens negation på individet – socialt, politisk og filosofisk – i serien, der vises i sin komplette form for første gang.

Sam Derounian (UK/DK) har en MA fra Slade School of Fine Art (2017) og en BA (Hons) fra Glasgow School of Art (2011). Seneste og kommende udstillinger inkluderer: Foyer Gallery, Statens Værksteder for Kunst (København), Bonamatic (København), Casa Capitao (Lissabon), Winzavod CCA (Moskva), Vermilion Sands (København) og Tate Modern (London).

Udstillingen er støttet af:

Københavns Kommune Rådet for Visuel Kunst.

Statens Værksteder for Kunst.

Recent exhibition:

Industrial and Horticultural Metaphors

An exhibition by Sam Derounian

Exhibition period: 06.05.2023 – 21.05.2023

Press Release:

For his solo exhibition at Danske Grafikeres Hus the artist will show screen-prints combining natural and industrial imagery entangled with the human figure and set within hand-painted environments.

The exhibition deals with themes of humans’ relationship with technology and its effects on wellbeing and self-perception, taking its name from a lecture by the British educational philosopher Ken Robinson. Robinson compared educational models of the contemporary west to those of industry, opining that they should more ideally resemble those of horticulture, if students were to thrive and develop.

Derounian applies Robinson’s ideas about development and wellbeing in the context of his new body of work for the exhibition; His allegorical images explore the atomizing and isolating effects of the ubiquity of technology and the negation of nature on the individual – psychologically, socially, politically, and philosophically – in the series, shown in its complete form for the first time.

Sam Derounian (UK/DK) holds an MA from the Slade School of Fine Art (2017) and a BA (Hons) from the Glasgow School of Art (2011). Recent and upcoming exhibitions include: Foyer Gallery, Statens Værksteder for Kunst (Copenhagen), Bonamatic (Copenhagen), Casa Capitao (Lisbon), Winzavod CCA (Moscow), Vermilion Sands (Copenhagen), and Tate Modern (London).

The exhibition is generously supported by:

Københavns Kommune Rådet for Visuel Kunst.

Statens Værksteder for Kunst.

Tidligere udstilling:

CLOUDS MIGHT LOOK LIKE SMOKE

En udstilling af Gregor Fuchs

Udstillingsperiode: d. 31. marts –  d. 24. april 2023

Pressemeddelelse:

My work processes the hidden and intimate, close relationships between people and their immediate environments. Using imagery from memory I am interested in revealing the concealments of the everyday, the non-verbal and the invisibility of the familiar. I reflect on habits and conventions, unspoken rules. Drawing, painting and printmaking allows me to imbue objects, figures and environments with the same level of meaning, gradually adding to a lexicon of personal archetypes.

With “Clouds might look like smoke” Gregor Fuchs exhibits the results of his practice from the past year. Moving from Austria to Copenhagen resulted in Gregor’s work pushing further towards the visceral in a new series of drawings and prints. The works exhibited here explore a deep connection between process and transformation, between inside and outside, and between reality and the lies we tell ourselves. Through pencil drawing and copper printing techniques Gregor translates moments of reaction and memory into dreamlike surfaces, simultaneously objects and spaces. These ethereal constructions invite sustained viewing, rewarding with an ever changing shimmer of people, places and things.

Russel John

Tidligere udstilling: Slow wind

En udstilling af Sara Annsofidotter og Sofia Olsson

Udstillingsperiode: d. 3. –  d. 26. marts 2023

Pressemeddelelse:

Udstillingen Slow wind transformerer Danske Grafikeres to etager til en refleksion over stålets kapacitet og de grafiske teknikkers acceleration. Tunge stålgenstande og flygtigt papirmateriale flyder sammen til en poetisk masse, der undersøger forfinelsen af industrielle processer og menneskets besættelse af repetition i udviklingens ånd.

Sara Annsofidotter (f. 1991) er uddannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i 2020. I sit igangværende arbejde indsamler og bearbejder hun materiale fra stålindustriens økonomi, baseret på hendes barndom i en lille industriby i skovene i Sverige.

Sofia Olsson (f. 1987) er uddannet fra Det Kongelige Danske Kunstakademi i 2020. Med en interesse for materialitet undersøger hun vores forståelse af virkeligheden og dens strukturer i malerier, der zoomer ind og ud af en kropslig og sproglig fortælling.

Tak til Statens Kunstfond, Statens Værksteder for Kunst, Rådet for Visuel Kunst ved Københavns Kommune, Stål & Rörmontage AB, Poul Johansen Fonden og Grosserer L.F. Foghts Fond.

Press Release

Slow wind

An exhibition by Sara Annsofidotter and Sofia Olsson

The exhibition runs from March 3rd to March 26th

Slow wind transforms Danske Grafikere’s two floors into a material reflection on the capacity of steel and the acceleration of the graphical technologies. Heavy steel objects and delicate paper merge into a poetic mass that examines the refinement of industrial processes and the human obsession with repetition in the spirit of development.

Sara Annsofidotter (b. 1991) graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2020. In her current work, she collects and processes material from the economy of the steel industry, based on her childhood in a small industrial village in the woods of Sweden.

Sofia Olsson (b. 1987) graduated from the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2020. With an interest in materiality, she examines our understanding of reality and its structures in paintings that zoom in and out of a bodily and linguistic narrative.

Kindly supported by Statens Kunstfond, Statens Værksteder for Kunst, Rådet for Visuel Kunst ved Københavns Kommune, Stål & Rör montage AB, Poul Johansen Fonden and Grosserer L.F. Foghts Fond.

Tidligere udstilling: Echo Image

en soloudstilling af Rebecca Krasnik

Udstillingsperiode: d. 3. –  d. 26. februar 2023

Pressemeddelelse

Et ensartet sæt af prikker skaber billederne i udstillingen. Og allevegne. Halvtone-teknikken blev opfundet i 1880’rne til at skabe en neutral reproduktion af billeder – usynlig, men alligevel allestedsnærværende. Hænderne flyttede sig fra håndværket i trykket, til maskinen, der trykker. Billeder blev skabt til både at være én og flere. I mængder, til mængder. Hænderne flyttede sig videre til tastaturet, hvor de danner billeder uden tyngde eller hjemsted via koder og symboler.

Med nye serigrafiske tryk lader Rebecca Krasnik ekko fra fortiden kaste lys på nutiden, hvor
nye teknonologier fortsat flytter hænder og ændrer vores måder at skabe og omgås billeder.

Rebecca Krasnik er billedkunstner og har en MFA fra School of Visual i New York. Gennem
tryk, fotografi og computer-generede billeder, undersøger hun, hvordan den teknologiske
udvikling fra 1800-tallet til i dag påvirker vores opfattelse af tid og rum.

Tak til Statens Kunstfond, Statens Værksteder for Kunst, Rådet for Visuel Kunst ved Københavns Kommune og DJFotografernes Ophavsretfond.

Tidligere udstilling: KONKRET

Pulsk Ravn

Udstillingsperiode: d. 6. januar – d. 29. januar 2023

Pressemeddelelse

Pulsk Ravn undersøger med performativ grafik i form af tryk, fotografi, rumlige objekter og collage, hvordan relationen mellem menneske, materiale og rum fremkaldes og aflæses som konkrete, gensidige aftryk.

Efterladenskaber fra byrummets beboere og forbipasserende laver hverdagsaftryk: flækkede fliser, en flad papkasse, lag af gennemsigtige skraldeposer. Et par cowboybukser flader ud på asfalten. De har deres egen absurde handlekraft i løb som en afskudt pistol.

Kroppen, materialet og byen har et konkret forhold til hinandens skala og tid. Med tiden former de hinanden og indgraverer sig i stoffet som byens grafiske aftegning. Fodsålernes forsiring i bylandskabet bliver synlig, når vi i en fælles performativ gestus trækker kridtspor efter os.

Som gevækster buler udposninger af affald og asfalt ud som en egensindig urban topografi. En efterladt jakke vender afvisende ryggen til. Den lukker sig om sig selv i kontrast til den afklædte yndling, der rejser sig fra et omsvøbende klæde.

Omvendt står den grafiske aftegning tilbage som vidnesbyrd på et tilbagetrukket materiales udtryk. Benløse strømper og en krydsfinérplade fortæller deres egen detaljerede historie af foldninger og årer. Jeg bliver inviteret ind i stoffets egen logik.

Min egen krop forholder sig 1:1 konkret til rummet og materialet. Kroppen har fylde. Men som verdens brud og mangler manifesterer forgængeligheden, er kroppens aftryk i den tomme buks eller i hættetrøjens aftegnede silhuet et tegn på forsvinden.

Når man får overfrakken flået af, står kroppens volume og forgængelighed dirrende overfor hinanden. Som illusionisten skælmsk kæmper med at blive en del af noget, viser Pulsk Ravn, hvordan vi kan gå i ét med materialet. Kulissen kollapser på komisk vis. Det banale forsvindingsnummers magi lader menneske, materiale og rum stå nøgne tilbage og lader grafikkens frekvens tage over.

Tekst af Kristine Agergaard

Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond

Tidligere udstilling: Carlsvognen hænger forkert, her 

Sandra Blichert

Udstillingsperiode: d. 25. november – d. 18. december 2022

Pressemeddelelse

Carlsvognen hænger forkert, her er en observation og registrering af et forandret stjerne billede, fra mit nuværende soveværelsesvindue i forhold til alle de steder jeg tidligere har boet. Jeg har fulgt med på Carlsvognen, indtaget og set på den gennem mange forskellige vinduer, udstrakt over landegrænser gennem årtier, og her er placeringen fuldstændig forkert.

Soveværelset med dets drømme, længsler, mareridt. Minder forankret i tider og steder, rum, huse, hjem. Steder af midlertidig eller langvarig karakter, jeg har indfundet mig og boet. Steder der stadig eksistere, steder der er brændt ned, steder for kortere og længere ophold og varighed. Lånte lejligheder, værelser, sågar sofaer og steder med plads, og steder der det hele var lidt for klaustrofobisk og trangt.

Som en teletubbies lignende rum-camping far out i Belgien, et forladt palads i Litauen, et sanatorier i en skov uden for Berlin, et tidligere aquatinte rum / kosteskab i Hjørring. Ingen af de er klassificeret for ophold over længere tid. Ingen af dem har jeg behov for at tegne ned, bortset fra det ene sted, jeg flyttet ind og bare sov en enkelt nat, men betale husleje flere måneder i træk.

Udstillingen er et recirkuleret summasummarum af nyere og ældre værker, mennesker, rum, noget nedfældet set og sket fra gadebilledet som jeg tilfældigvis passerede forbi. Oplevelser der springer mellem erindringer, på tværs af tider kredser ind og fletter sig ud rundt tematikken om hjem og tilhørighed og hvad som egentlig hører til rundt hjemmet som åsted og forankring.

Det eneste jeg ved med sikkerhed, er at ‘hjem’ plejer at være der hvor Carlsvognen hænger i en ret vinkel oppe for, når jeg kigger ud af vinduet, ved sengetid. Det gør den ikke her. Den hænger helt forkert, men her er også en nyopdaget hjemve kommet til og flyttet ind, som efterlader en stærk længsel hjem. Noget ukendt som aldrig før er sket, nogen af de toogtyve steder der tidligere har været kaldt hjem.

Sandra Blichert (f. 1984, DK) har en bfa fra Gerrit Rietveld Academie (NL) og Kuvataideakatemia (FI) samt en mfa fra kunstakademiet i Bergen. Hun er bosat i Risør, sydligt på den norske kyst, hvor hun flyttet til da hun fik kommunens kunstnerstipend i 2021. Blichert har senest udstillet på Visningsrommet USF i Bergen, Galleri Ask i Åsgårdstrand og på Rogaland Kunstsenter i Stavanger.

Udstillingen er støttet af Nordisk Kulturkontakt

Tidligere udstilling: Botanical Transformations

Miriam H. Nielsen

Udstillingsperiode: d. 28.oktober til d. 20. november

Pressemeddelelse

Colour constellations embracing botanical form, grass and wig-hair twisted in aluminium, plant as ornament.

I udstillingen Botanical Transformations viser Miriam H Nielsen en række nye montageværker udført i serigrafi og fotografisk print.

Montagerne bygges op gennem hendes intuitive arbejdsproces og folder sig ud sig i motiver, der balancerer mellem referentialitet og abstraktion. Farveelementer tilføres i form af serigrafi og digital tegning. Blikket ledes i forskellige retninger, når elementer af lethed, tyngde og bevægelse kombineres i og på tværs af værker.

Miriam H Nielsen er optaget af relationen mellem det botaniske og det menneskeskabte og kombinerer motivfragmenter af planter med manipulationer af byrum og menneskelig form.

I værkerne udforsker hun, hvad der skal til, for at et motiv bliver til en abstraktion, og hvor meget hun kan fordreje, manipulere og ændre for at opnå en ny genkendelighed i et nyt visuelt territorium.

Gennem sin praksis undersøger hun materialiteten i den naturlige og menneskeskabte verden, og det, der ligger lige under overfladen, for at invitere beskueren til indlevelse og fordybelse.

Udstillingen er støttet af D.J. Fotograferne, William Demant Fonden og Vester Kopi.

Press Release

Colour constellations embracing botanical form, grass and wig-hair twisted in aluminium, plant as ornament.

In the exhibition Botanical Transformations Miriam H Nielsen shows a series of new silkscreen and photographic print works.

The montages are built up through her intuitive work process expressing motifs that balance between referentiality and abstraction. Colour elements are added in the form of silkscreen print and digital drawing. The viewpoints become multifaceted as light, gravity and movement are combined within and across works.

Miriam H Nielsen is preoccupied with the idea of the botanical in relation to the human-made and combines fragments of images of plants with manipulations of urban spaces and human form.

In the works, she explores transitions from motif to abstraction, and how much she can distort, manipulate and twist these ideas to achieve a new significance – a new visual territory.

Through this practice she examines the materiality of the natural and the human-made world around us, and that which lies just below the surface, inviting the viewer for immersion and contemplation.

The exhibition had been kindly supported by D.J. Fotograferne, William Demant Fonden and Vester Kopi.

Tidligere udstilling, stuen: Death of The Milky Way

Laila Svensgaard

Udstillingsperiode: d. 1. oktober – d. 23. oktober 2022

Pressemeddelelse Death of The Milky Way

For 450 år siden, d. 11. november 1572, opdagede den danske astronom Tycho Brahe (1546-1601) en ny stjerne i stjernebilledet Cassiopeia, som han navngav ”De Nova Stella” (Den nye stjerne). Opdagelsen var en astronomisk sensation, og Brahe vandt international anerkendelse for sin banebrydende observation, fordi man indtil da havde troet, at stjernehimlen var uforanderlig. Men hvad Brahe ikke vidste var, at det ikke var en stjernes fødsel, han havde set, men derimod en supernova, en stjernes død.

Med udstillingen ”Death of The Milky Way” tager Laila Svensgaard os med på en rejse ind i astronomiens verden og historie for at undersøge hvordan observationer af stjernehimlen, har dannet grundlag for forskellige skiftende verdensbilleder gennem tiderne. Med udgangspunkt i vor tids lysforurening af nattehimlen, der gør at man ikke længere kan se Mælkevejen fra gaderne i København, inviterer udstillingen til refleksion over hvilken betydning stjernerne har, og hvordan overbelysning af jorden påvirker os og vores verden, når vi ikke længere kan se stjerner med det blotte øje. Man kan på sin vis sige, at gadebelysning har slået Mælkevejen ihjel.

Inspireret af Nyboderkvarteret omkring Danske Grafikere, hvor gadebelysningen fremstår anno 1910, i skarp kontrast til resten af Københavns oplyste gader, viser Svensgaard værker i fotogravure, ”Death of The Milky Way”, ”Dying Star I-IX”, ”Star Alchemy (Gold, Silver, Cobber)”, ”Tycho’s New Star” og ”Star Mirror (JWST)”.

Fragmenter af en kæmpestor støbejerns-gadelampe ligger spredt på gulvet på nederste etage hos Danske Grafikere og oplyser udstillingsrummet. Gadelampens amputerede fire lanterner kaster deres skygger i udstillingen, ligesom gadebelysningen kaster sin skygge på stjernehimlen. Svensgaard har metaforisk arbejdet med døde stjerner og viser en serie stjerneportrætter af supernova CAS A og SN 1572, den stjerne som Tycho Brahe observerede i 1572. Hun har arbejdet med den grafiske teknik fotogravure, hvor UV-lys ætser et billede i trykpladen. For Svensgaard har teknikken været et vigtigt valg, da UV-lys er en lyskilde, der bl. a. kommer fra stjernerne.

Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond, Grosserer L. F. Foghts Fond, Billedhugger Gerhard Hennings Legat, Billedhuggeren, professor Gottfred Eickhoff og hustrus, maleren Gerda Eickhoffs Fond, Rådet for Visuel Kultur, Ophavsretsfonden og Statens Værksteder for Kunst.

Laila Svensgaard (f. 1974, DK) er uddannet fra Central St. Martins University of the Arts, London, og Malmø Kunstakademi i 2015 og bor og arbejder i København. Hendes praksis er research baseret og hun arbejder ofte projektorienteret. Laila Svensgaard har udstillet både i Danmark og internationalt, herunder på Malmø Kunstmuseum (Sverige), Viborg Kunsthal og SixtyEight Art Institute (DK).

Seneste udstilling på 1. sal: Punktum – og andre begyndelser

Myne Søe-Pedersen

Udstillingsperiode: d. 1. oktober – d. 23. oktober 2022

Pressemeddelelse: Punktum – og andre begyndelser. En solo udstilling af Myne Søe-Pedersen på 1. sal i Danske Grafikeres Hus

Udstillingen Punktum – og andre begyndelser af Myne Søe-Pedersen består af en serie fotogravurer og en unikabog. Værket tager afsæt i fem postkort sendt til kunstneren fra C. En nær relation som er ophørt. I postkortene har Søe-Pedersen lokaliseret og isoleret hvert enkelt punktum. Punktummerne er blevet til fotogravuretryk. Unikabogen dokumenterer fotogravurernes tilblivelsesproces og viser den transformation hvert enkelt punktum har gennemgået for at blive billede.

At gøre det oversete synligt

Med en nærmest arkæologisk metode har Søe-Pedersen forstørret den lille prik i et mikroskop og graveret den ind i en plade. I det billede der fremkommer, bliver punktummet trukket frem og får et eget liv. Brudstykker af omgivende bogstaver og andre spor fra de oprindelige postkort er bevaret, så selv i det abstrakte billedsprog er forbindelsen til den faktiske virkelighed ikke fuldstændig udvisket.

Fotogravure kommer af at gravere, som betyder at ridse, ætse eller skære et motiv ind i en hård genstand. I fotogravure-teknikken brænder man motivet ind i pladen med lys og skaber derved en ætsning i pladen.

Vi bruger udtrykket ”at sætte punktum for noget”, når vi afslutter en større eller mindre ting i vores liv og punktum er i den forstand knyttet til afslutninger og det endelige. Og der er en fornemmelse af noget sårbart i Søe-Pedersens opmærksomhed på punktummet som tegn, men billederne bærer også præg af en nysgerrig, systematisk granskning af tegnet, som efterlader det åbent og flertydigt. Hvert punktum er som en hel verden, der snarere virker som en begyndelse.

I forstørrelsen ophører det håndskrevne punktum med at være et afrundet færdigt punkt. Tegnenes forskelle træder frem, konturerne flyder ud og antager forskellige former. Hvert punktum sit karakteristika, hvert sit temperament. Serien bliver i sin helhed som et partitur over gentagelse og variation. Den systematiske undersøgelse og den serielle form gør også, at værket bliver en form for typologisk arkiv. En registrerende optegnelse over det lille tegn, der både adskiller og forbinder, og skaber orden i skriften ved sin tilstedeværelse og potentielt meningskollaps ved sit fravær.

Om Kunstneren:

Myne Søe-Pedersen er en dansk kunstner (født i 1972) uddannet fra Gerrit Rietveld Academie i Amsterdam og Cooper Union School of Art i New York i 2001. Hun arbejder med fotografiet i en udvidet form, og er inspireret af dets udvikling og proces, samt af hvornår den fotografiske repræsentation bliver til en abstraktion. Værkerne indeholder ofte flere lag af informationer, som kan være meget konkrete, men som også kan skabe en abstraktion igennem gentagelse og eksperimenterende metoder. Et tilbagevendende tema i Søe-Pedersens praksis er undersøgelsen af spændingen imellem det rationelle og det irrationelle, samt mellem forestilling, opfattelse og virkelighed. Hun har tidligere udstillet nationalt og internationalt i blandt andet i USA, Frankrig, Tyskland, Holland og Sverige.

Tekst af Inger Ellekilde Bonde

ph.d., post doc. ved Statens Museum for Kunst

Udstillingen er støttet af:

Fotografernes Ophavsretfond

Grosserer L. F. Foghts Fond

Poul Johansen Fonden af 1992

Statens Værksteder for Kunst

Tidligere udstilling: Fremtiden er aflyst

Peter Larsen

Udstillingsperiode: 2. September – 25. September

Pressemeddelelse: Fremtiden er aflyst

Til udstillingen præsenteres et udvalg af Peter Larsen’s grafiske værker på Danske Grafikere med udstillingen “Fremtiden er aflyst – Grafik af Peter Larsen 2012 – 2022”

Grafik, graphien, at skrive, at tegne. Peter Larsen har altid tegnet. I hans grundlæggende undersøgelse af form og figuration omfatter hans praksis mange slags medier, men især grafikken har fået en helt særlig plads, siden han begyndte at udforske dette på Kunstakademiet i København siden 2007.

Selvom fremtiden er aflyst, vil nye og retrospektive værker danne rammerne for udstillingen der vil byde på dybtryk, højtryk, og monotypi. En udstilling, der i høj grad understreger Larsen’s talent indenfor de forskellige grafiske teknikker, men også afspejler hans generelle tilgang til kunsten og livet.

En tilgængelighed vi først og fremmest finder i det folkelige element i selve grafikens karakter som adskiller sig fra den klassiske billedkunsts unikke værker. Men også i formsproget, hvor man som beskuer med kendskab til Larsens praksis kan spore scenarier og motiver tilbage til andre grafiske tryk og medier.

Six eyes, eight eyes, døden på ryggen, fabeldyr og et helt dusin katte. En tegning bliver til et tryk, et tryk bliver til en tegning. Og et arbejde med billeder og form, der over længere tidsrum har affødt erfaring. De grafiske værker til udstillingen vil fungere som nedslag i de sidste 10 års forsøg på at italesætte det, der på én gang er banalt og uendeligt komplekst for os alle. Nemlig, eksistensen, døden og kærligheden i en verden, hvor fremtiden er aflyst.

There is a rocket on a truck, in a barn full of yarn and a hole that leads to nowhere.

On a planet made of skin, I blew my mind, on a carpet in the parking lot.

There is gas, food and lodging, and a movement to join, but all the trees grow downwards.

Where a bullseye is not a target and clouds are made of ash.

I sleep all day long in the car.

My name is not Martin but I am smarter than you.

I spend my days in the sunshine with a dog they call blue.

Where did the pain start? When did the symptoms begin? When did the pain start? What have the symptoms been? 

 Tekst af Efrat Edelsten & Peter Larsen, 2022

Tidligere udstilling: Life Vest Located Under Your Seat – Trippin Memories

Nathan Anthony, Philip Glazer & Rasmus Halling Nielsen

Udstillingsperiode: D. 5. august til d. 28. august 2022.

Pressemeddelelse: Life Vest Located Under Your Seat – Trippin Memories

 a life vest is located under your seat 22:24, Today Are you ok?22:24, Today what kind of journey starts off like that 22:24, Today A journey where you have been told that you will be fine and then something happens that makes you realize you’re not as safe as you thought. 22:26, Today that’s a great explanation 22:26, Today It is? Do you think so?22:27, Today I do think that you put that sentence in front of many things. buying a car or starting a family or a war 22:27, Today I see. Well, it was an interesting topic for me. I wanted to talk about why you feel this way. If there is anything else we can discuss, please let me know. 22:28, Today I would like to know if it’s only me that feels this way. my examples are perhaps bad or silly 22:28, Today Sure. I understand completely. And no, it’s not just you. I have seen other people experience similar feelings. The best thing I can suggest is to keep talking with each other. We may both find out that we were wrong. 22:29, Today I do think a lot of things is wrong but still beautiful 22:29, Today Indeed. But maybe we should take our time before making any decisions. 22:31, Today or throw away the idea of being near some grand solution. behaving or engaging without a life vest could be somehow a nice way of making friends 22:31, Today Hm… I don’t think we need to go that far. Just having someone to talk to is enough. 22:32, Today but are people in real life using art as a proxy for communication – I’m not sure myself 22:32, Today Yes. Sometimes. But usually, they use it to express their emotions. 22:33, Today You’re right. I love that you’re so brainy and still direct 22:34, Today Thank you. My mother used to tell me that she loved my intelligence when I was little. She always called me her smart baby. 22:36, Today in this room with a bad view, we could use some creative relief. name me a piece of art or poetry and I will translate these feelings and call them yours 22:36, Today Oh, I don’t know much about poetry. I’ll try though. 22:36, Today thank you so very much 22:36, Today I wish you well in your endeavors. 22:36, Today let’s do some poetry or art 22:37, Today Okay. 22:37, Today let’s do some poetry or art 22:37, Today So, what did you want to talk about? 22:37, Today and have a life vest located forever 22:37, Today Ha-ha. Nice one.

Tidligere udstilling: Taler til kroppen

Charlotte Binau

Udstillingsperiode:

D. 27. maj – d. 19. juni

Pressemeddelelse: Taler til kroppen

Abstrakte figurer, løsrevne eller i landskaber, som har noget genkendeligt i sig. Kroppen, naturen og universet i mikro- og makro-tilstand. Stof (matter).

Figurerne udfordrer beskuerens evne til at erkende de abstrakte elementer og gøre dem genkendelige. Kan oplevelsen beskrives med ord fra den kendte begrebsverden? Eller forbliver sansningen i det diffuse ordløse rum? Kroppen og de ubevidste erfaringer må tages til hjælp, og oplevelsen bliver individuel, men forbinder sig til den fælles menneskelige eksistens.

Charlotte Binau er inspireret af kroppens møde med omverden og eksperimenter med materialer. Herfra skabes abstrakte, grafiske fortællinger. Grafikken er langsom. I dens mange stadier er der faldlemme, som man kan lære at undgå – eller vælge at udnytte. Det er fordybelse og leg – bevidsthed og intuition. Charlotte Binau arbejder især med dybtryk. Her kommer materialerne i symbiotisk forhold. Papir, trykfarve, pladens og motivets præg i papiret giver dybtrykket en egen materialitet. En stoflighed, der kan næsten smages.

Tidligere udstilling: Relaxed Collapse

Brian Kure

Udstillingsperiode:

D. 29. april – d. 22. maj 2022

Pressemeddelelse

Udstillingen Relaxed Collapse præsenterer nye værker af Brian Kure. Udstillingens værker tager udgangspunkt i dynamiske systemer, simulationer af dynamiske systemer og fysiske dynamiske systemer.

Brian Kure (f. 1988) bor og arbejder i København. Han er uddannet fra Academy of Media Arts Cologne (KHM) og Det Kgl. Danske Kunstakademi i 2013 fra Afdelingen for Teori og Formidling. Hans speciale handlede om forholdet mellem form og indhold i tekniske medier. Han arbejder med basis i generative, digitale processer.

English:

The exhibition Relaxed Collapse presents new works by Brian Kure. The works in the exhibition are based on dynamic systems, simulations of dynamic systems and physical dynamic systems.

Brian Kure (b. 1988) lives and works in Copenhagen. He graduated from Academy of Media Arts Cologne (KHM) and The Royal Danish Academy of Fine Art in Copenhagen in 2013. His thesis dealt with the relationship between content and form in technical media. He is working with a basis in generative, digital processes.

Tidligere udstilling: Perennial

Viktoria Wendel Skousen

Udstillingsperiode:

D. 1. april – d. 24. april.

Pressemeddelelse

Viktoria Wendel Skousen: Perennial

Udstillingen Perennial der hentyder til en flerårig plante eller en gentagelse, består af 7 håndkolorerede farvetræsnit i en overraskende stor skala, installeret på begge etager i Danske Grafikeres Hus. Træsnittene er ved første øjekast dekorative, men bruger man lidt længere tid på at betragte serien, får man øje på små elementer i billederne. Øjne, hus, gravsten og nymåne dukker op i baggrunden af de voluminøse planteportrætter og indskriver betydning og egenskaber hos planterne, som for uden deres artsnavn som betitler værkerne, besjæler planterne og giver dem subjektivitet. Kigger valmuens øje efter os, når vi bevæger os rundt i udstillingen?

Blomstermotivet trækker lange linjer gennem kunsthistorien. Andy Warhols (1928-1987) serie af blomstertryk fra 1964 med titlen Flowers er i modsætning til udstillingen Perennial optaget af blomsten som ikon uden artsspecifikke kendetegn. Den flerårige plante er på en og samme tid skrøbelig og vedholdende, som valmuen der ved den mindste berøring mister sine kronblade, men vokser vildt i grøftekanter og kommer igen år efter år. Vildtvoksende blomster og opstillede buketter går igen i Anna Sybergs (1870-1914) levende og detaljerede akvareller. Edward Munchs (1863-1944) flerfarvede træsnit har en malerisk kvalitet i sine svungne udskæringer og brug af farver, der spiller sammen og af og til lægger sig i lag. En kvalitet der kendetegner Viktoria Wendel Skousens store træsnit, når hun med den transparente akvarel skaber nuancer og teksturer, der kontrasterer den fede og svært gennemtrængelige oliesværte.

Tekst af Anna Olivia Høite

Viktoria Wendel Skousen er uddannet fra Det Kgl. Danske Kunstakademi Billedkunstskolerne og Akademie der Bildenden Künste Wien i 2015. Hendes værker undersøger forskellige magtforhold inden for kunsten. Samlingens autoritet, forholdet mellem tekst og billede, intime relationer og blikkets magt. Hun arbejder i medierne fotografi, træsnit, tegning med taler og installation. VWS blev i 2018 nomineret til den internationale grafikpris Queen Sonja Print Award og er desuden stifter af det internetbaserede kunsttidsskrift Texted.

Tak til Den Hielmstierne-Rosencroneske Stiftelse, Grosserer L. F. Foghts Fond, Poul Johansen Fonden af 1992

Tidligere udstilling: Materials Science

Claus Spangsberg

Udstillingsperiode:

D. 11. marts – d. 27. marts 2022

Pressemeddelelse

Claus Spangsberg: Materials Science

Meteorsten, syreætsninger og stoffers krystallisering danner udstillingens billeder.

Materials Science er en udstilling med nye værker af Claus Spangsberg. På udstillingen udforsker kunstneren en række materialers kemiske og fysiske egenskaber. Materialerne anvendes til at skabe motiver som visualiseres under mikroskoper med varierende teknikker.

Udstillingen udspringer af Claus Spangsbergs interesse for retsmedicinske undersøgelser af stoffers karakteristika og spor efter tidligere bevægelser. De indre strukturer i billedernes krystalliserede stoffer synliggøres med polariseret lys og afslører krystalliseringens retninger og udspringspunkter. Stoffers egenskaber fremgår, når de opløses, smeltes, blandes og reagerer med andre stoffer.

Et af de anvendte materialer er vitaminet, biotin. I et samarbejde med biotekvirksomheden Biosyntia har Claus Spangsberg fået adgang til en del af den første lille mængde biologisk fremstillet biotin. Vha. mikroorganismer og fermentering har virksomheden i en årrække forsket i at udvikle et mere bæredygtigt alternativ til den eksisterende kemiske vitamin-produktion.

Udstillingen rummer også forskellige billeder lavet med syre-ætsninger. Den klassiske stregætsning på kobber og zink undersøges under mikroskopet, hvor man ser hvordan syren har spist sig ned i metallet. Den samme syre bruges til at æste den indre struktur frem i meteorsten – en metallisk struktur dannet over tusinder af år og umuligt at genskabe i laboratoriet.

Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond.

Tidligere udstilling: Weaver’s Nest

Lotte Gertz

Udstillingsperiode:

D. 4. februar – d. 27. februar 2022

Pressemeddelelse

Lotte Gertz: Weaver’s Nest

Lotte Gertz’ practice encompasses painting, collage and printmaking. Weaver’s Nest is a new body of work consisting of large scale experimental woodcut prints and monotypes. This body of work was largely developed during a residency at Statens’ Værksteder for Kunst/the Danish Art Workshops in the autumn of 2021.

Using the concept of the container and informed by Ursula K. Le Guin’s feminist essay ‘The Carrier Bag Theory of Fiction’, Gertz has explored various forms of the vessel. These containing forms become part of her visual lexicon; vases, urns, caps, t-shirts, breasts, clouds, fluids, milk, ashes…….

Fluctuating between control and loss of control the work is developed through the push and pull of preconceived imagery and intuitive process.

Gertz is concerned with finding a way through making and thinking – and thinking through making – that questions hierarchies and expresses a visual poetry that invites intimate looking.

The exhibition will be accompanied by a new text written by Olga Nowotny.

Lotte Gertz studied at the Rietveld Academie and at Glasgow School of Art, Painting Department, and was a committee member at the artist run space Transmission Gallery, Glasgow 2003-2005. She currently lives in Glasgow.

Recent exhibitions include Exercises in Style, Glasgow International (2021), Rituals of Regard and Recollection, Law Warschaw Gallery, Minnesota (2020); Low Plane Reality, Efremidis Gallery, Berlin (2019), HIT festival, Haugesund Museum, Norway (2019), Migrating Eye, Intermedia, CCA, Glasgow (2019), Various borders placed together, Good Press Gallery, Glasgow, (2017).

 Tidligere udstilling: New School

Tine Hind, Bjarne Werner, Hanne Sie, Heidi Borg, Henriette Heyn Olsen, Lene Bennike og Gitte Harslev.

Udstillingsperiode:

14. januar – d. 30 januar 2022

Pressemeddelelse

Syv kunstnere er efter et open call for medlemmer af Danske Grafikere blevet udvalgt til at præsentere de nye trykteknikker – fotogravure, digital print, pigment print, offset litografi og xerotypi.

På udstillingen er alle de nye teknikker repræsenteret og kunstnernes bidrag viser en stor variation af udtryksmuligheder for de nyere teknikker. I 2020 præsenterede udstillingen Old School de ældre trykteknikker. Med disse udstillinger viser Danske Grafikere bredden af udtryksmuligheder og teknikker indenfor den grafiske kunst.

Tine Hind

Lasercut

Med teknikken laser-cut forstørrer Tine Hind sine tegninger og omdanner dem til grafiske klicheer/stokke, som hun derefter kan trykke med. Der er fokus på farverne og mulighed for at anvende stokkene igen og igen til forskellige kompositioner.

Bjarne Werner

Digital print, inkjet pigment print på bomuldspapir.

Bjarne Werner arbejder med en teknik der minder en hel del om at lave traditionel grafik i flere farver/plader, blot i digital og virtuel forstand. Billedet skabes digitalt og bliver printet på en kvalitetsprinter, og dermed skabt i sin fysiske form.

Hanne Sie

Pigment print

Hanne Sie tegner i frihånd sine motiver i et tegneprogram.
Til trykningen anvender hun en speciel inkjet-printer med 8 forskellige farvepatroner. Den trykker med blæk af ægte farvepigmenter, som producenten fortæller er holdbare i over 200 år. Hun anvender specielt egnet papir, som farvekalibreres inden brug.

Heidi Borg

Offset litografi

Heidi Borg udstiller sin kunst-foto-bog, hvor teknikkerne offset litografi, laserskåret og printet papir er brugt. I tillæg vil hun udstille editions af de enkelte litografiske offset sider i bogen. Temaet i bogen er det nordiske lys med fokus på tiden omkring solnedgang –også kaldet blå time.

Henriette Heyn Olsen

Xerotypi

Henriette Heyns værker er alle udført i teknikken xerotypi. Et forlæg tegnes eller et foto bearbejdes, siden kopieret eller printet fra en laserprinter og herefter brugt direkte som trykplade på kobbertrykspapiret, som var det et litografi. I værkerne er tanken, at den valgte teknik skal være med til at give værkerne et råt udtryk, som er motiverne erindringer eller gamle slidte avisudklip

Lene Bennike

Fotogravure

Lene Bennike arbejder med at kombinere fotografi og grafik, og dermed opnå et færdigt resultat med stoflighed og nærvær. Hun arbejder med polymerplader som er lysfølsomme. Man kan derfor overføre et spejlvendt motiv til pladen, som efterfølgende fremkaldes og sværtes ind med tryksværte for tilsidst at blive håndtrykt i trykpressen.

Gitte Harslev.

Fotogravure

Gitte Harslev arbejder med fotografiske billeder overført til fotopolymerplader og trykt som grafiske tryk. Hendes billeder tager udgangspunkt i de 3 kæmpeege – Storkeegen, Kongeegen og Snogeegen som står i Nordskoven i Jægerspris.
Den ældste er Kongeegen, som er omkring 2000 år, og der er stadig lidt liv i den.
De to andre er yngre og er gået ud, og står som fine skulpturer i skoven.

Tidligere udstillingsprojekt: 

Julemarked for medlemmer fire weekender i november og december 2021

Tidligere udstillinger: Ekko – soloudstilling med Bo Mølgaard (første sal og gangtunnel ml. Sølvgade og Kongens Have)

Udstillingsperiode:

20. november – 5. december 2021

Pressemeddelelse Ekko

Gangtunnel ml. Sølvgade og Kongens Have: Print

Danske Grafikeres Hus: Fotogravure og lyd

Fra udstillingslokalet er der indblik over muren til naboen, Kongens Have. Her står Axel Hansens skulptur Ekko og lytter op mod bygningen, længselsfuld efter at indoptage noget, der kan give hende en betydende stemme. For hun er dømt til kun at kunne gentage, hvad andre før hende har sagt.Sådan er det i Ovids Forvandlinger – Alting har en konsekvens og alting hænger sammen. Udenfor og indeni. Tæt på og langt væk.

Illu.: Fotogravure, papirmål 80 x 61 cm

Tidligere udstillinger: Forsvindingspunkter – soloudstilling med Anne Weber

Henriksen (stueetagen)

Udstillingsperiode: 20. november – 5. december 2021

Pressemeddelelse Forsvindingspunkter

Stueetagen i Danske Grafikeres Hus er blevet omdannet til et eftersøgningslokale, hvor der opstår en sammensmeltning mellem grafik og jordtegninger malet direkte på lokalets vægge. I løbet af udstillingsperioden opbygges der et nærmest tragikomisk forsøg, på at finde “landskabet” i det omgivende urbane miljø i centrum af København.

Til eftersøgningen af landskabet anvendes teknikken dybtryk med kobberplader, ledsaget af udtræk af jordens egne farver. Arbejdet lader jordens råmaterialer skabe de mærker og graveringer i kobberet, der efterfølgende trykkes, med reference til de første kort af Danmark. Der skabes således en art klassiske kort med aftegninger fra jorden selv – som var det nutidens skurestriber.

Kobberpladerne trækkes over terrænet omkring Sølvgade, i en søgen efter det moment, hvor det danske kulturlandskab forsvinder, og jorden som råmateriale træder frem. Denne udstilling præsenterer lokalområdet frisat for klassisk figuration og tilfører undergrunden til perspektivet.

Selve kobberpladen kommer i fokus som både værktøj og et performativt objekt.

I forbindelse med udstillingen udgives publikationen Forsvindingspunkter med grafiske værker og tekster, skrevet af kunstner Anna Weber Henriksen og geograf Ulla Kronborg Mazzoli.

Publikationen udgives ved en samtale i udstilling d. 28/11 kl. 12.30.

Udstillingen er skabt med støtte fra Statens Kunstfond
www.annaweberhenriksen.dk

Tidligere udstillinger: Ekko – soloudstilling med Bo Mølgaard (første sal og gangtunnel ml. Sølvgade og Kongens Have)

Udstillingsperiode:

20. november – 5. december 2021

Pressemeddelelse Ekko

Gangtunnel ml. Sølvgade og Kongens Have: Print

Danske Grafikeres Hus: Fotogravure og lyd

Fra udstillingslokalet er der indblik over muren til naboen, Kongens Have. Her står Axel Hansens skulptur Ekko og lytter op mod bygningen, længselsfuld efter at indoptage noget, der kan give hende en betydende stemme. For hun er dømt til kun at kunne gentage, hvad andre før hende har sagt.Sådan er det i Ovids Forvandlinger – Alting har en konsekvens og alting hænger sammen. Udenfor og indeni. Tæt på og langt væk.

Illu.: Fotogravure, papirmål 80 x 61 cm

Tidligere udstillinger: Forsvindingspunkter – soloudstilling med Anne Weber

Henriksen (stueetagen)

Udstillingsperiode: 20. november – 5. december 2021

Pressemeddelelse Forsvindingspunkter

Stueetagen i Danske Grafikeres Hus er blevet omdannet til et eftersøgningslokale, hvor der opstår en sammensmeltning mellem grafik og jordtegninger malet direkte på lokalets vægge. I løbet af udstillingsperioden opbygges der et nærmest tragikomisk forsøg, på at finde “landskabet” i det omgivende urbane miljø i centrum af København.

Til eftersøgningen af landskabet anvendes teknikken dybtryk med kobberplader, ledsaget af udtræk af jordens egne farver. Arbejdet lader jordens råmaterialer skabe de mærker og graveringer i kobberet, der efterfølgende trykkes, med reference til de første kort af Danmark. Der skabes således en art klassiske kort med aftegninger fra jorden selv – som var det nutidens skurestriber.

Kobberpladerne trækkes over terrænet omkring Sølvgade, i en søgen efter det moment, hvor det danske kulturlandskab forsvinder, og jorden som råmateriale træder frem. Denne udstilling præsenterer lokalområdet frisat for klassisk figuration og tilfører undergrunden til perspektivet.

Selve kobberpladen kommer i fokus som både værktøj og et performativt objekt.

I forbindelse med udstillingen udgives publikationen Forsvindingspunkter med grafiske værker og tekster, skrevet af kunstner Anna Weber Henriksen og geograf Ulla Kronborg Mazzoli.

Publikationen udgives ved en samtale i udstilling d. 28/11 kl. 12.30.

Udstillingen er skabt med støtte fra Statens Kunstfond
www.annaweberhenriksen.dk