Kategoriarkiv: Intern Udstilling

Sarah McNulty & Flore Nové-Josserand


Taking cue from physical points of contact with technology, investigating the intersection of digital gestures and the materiality of surface, Flore Nové-Josserand & Sarah McNulty will construct and deconstruct processes of image-making at Danske Grafikere. DeepMaster, referring to fake ‘master’ fingerprints, which can effectively fool smartphone sensors and other devices, draws connections to the limits of human singularity in the manipulation of our current tools.

Through the lens of ‘tryk’, interpreted in its most basic sense of physical push, print or pressure, the work and processes in the show propose an enriched definition of images and their construction, in an oversaturated visual climate. The artists will present a series of new works, individual and collaborative, embracing various techniques: printing, sewing, painting, projection and manipulation. Together they will create an installation spanning across the 2 floors of Danske Grafikere dividing up image-making processes, from provisional tools to self-contained works.

Sarah McNulty has been developing a series of large-scale lithographic works printed on various household fabrics, wallpapers, fiberglass, rubber mats; using a number of fingerprinting pattern forms and various gestures of painterly ‘contact’ as a starting point for each stone. Using a variety of experimental print methods and materials to explore the possibilities of the medium, based around stone, grease and water, she has exploited the process’ sensitivity and reproduction of physical contact.

Flore Nové-Josserand’s new work reflects on gestures and technology alongside the materiality of image. She is currently exploring how we represent technology in a bodily sense and how feelings of ownership over our actions change as technology becomes dematerialized. In a new series of wall-hangings and prints using cross-over technologies (a laser cutter and a traditional print press), she explores what comes to mind when we think about the expanded capabilities and problematics that tools provide.

The starting point of the show, both thematically and materially, is physical forms of contact and the human/machine interface. In our new pandemic reality, the works’ meaning attracts new layers. Works that focus on the materiality of touch – what it feels like – might relate to the how we process our experience of social distancing, while works that explore how touch is modified and mediated by machines question what meanings lie in our bodily interactions with ‘bodyless’ technology.

A double sided print in collaboration with Platform Publication, Kbh will be produced for the occasion of the exhibition and available upon visit.

Flore Nové-Josserand is a pluri-disciplinary artist working in Copenhagen and London. In a process that allows room for improvised solutions, absurdity and humour, she investigates possible tensions and overlaps between social and aesthetic space, drawing attention to our perception of the objects that surround us on a daily basis, and where and when we look at them. Nové-Josserand (b. France) received an MFA from the Slade School of Fine Art, London, a DNAP from the Ecole Nationale Supérieure d’Art de Paris-Cergy, France and a BSc in Biology from Imperial College of Science, Technology & Medicine, London. Recent exhibitions include Yorkshire Sculpture Park, Baltic 39, (Newcastle), IMT Gallery & Zabludowicz Collection (London) as well as a public sculpture commission Paintworks (Bristol). Nové-Josserand runs the WAï, a collaborative research platform and Eye-Eye, an art production and curation duo with Thorbjørn Andersen.

Sarah McNulty’s practice explores physical relationships with surrounding environments, as well as the reception of visual information in an era of targeted experience. The contingent nature of painting and its history are fundamental in her work, with focus on points of rupture and collapse. It is a cyclical process in which the works are suspended in various states and networks, often as a provisional archive of a specific place, time and action. McNulty (b. USA, based in Copenhagen) received her MFA from the Slade School of FineArt, London, and BA at Georgetown University, USA. Recent exhibitions & projects include Terrace Gallery (London), Beton 7 (Athens), Jir Sandel (Copenhagen), Sydhavn Station Billboard (Copenhagen) and Alteria Art at HEART Museum (Herning). She is a co-founder of exhibition & project spaces Tørreloft and Kiosk 7, Copenhagen.

Mange tak til: Grosserer L.F. Foghts Fond, Københavns Kommune & Statens Værksteder for Kunst

Stathis Tsemberlidis og Lando

Decaying forms and abstract comics

Stathis Tsemberlidis og Lando
Opening event: 06/03/20 at 17-20


Exhibitions dates: 06/03 – 29/03


Artist talk: ‘Night of the Bio Mutants’ at 17.30
The artists in conversation with Jacob Lillemose


The Danish Graphics House will host an exhibition with Decadence Comics. The exhibitors will use the wall spaces to present a selection of their original drawings, showing some of the processes of their practices, as well as a small archive of publications displaying their development over the 17 years of making zines. The audience can freely navigate the space and take a closer look at the paper qualities and printing techniques that have been used for the production of the books, as well as explore the various possibilities of alternative storytelling and publishing in comics.

A reading space will be provided for visitors to explore thought provoking narratives that trip between the abstraction of human bodies evolutionary theories, organic imagery, spacemen, vast landscapes and crystalline shapes all filtered through the prism of socio-political science fiction.

Decadence comics is an art collective founded by Lando and Stathis Tsemberlidis. Their artistic practices are much influenced by the political act of self publishing and diy culture found in the underground European and American comic scene of the 70’s. Reading sci-fi literature and comics from Europe and Japan gave them a desire to escape the limited opportunities and constraints of commercial publishing and pushed them into self-publishing where they could hold control of the work from the inception of ideas to the final presentation.

Their idea of the sci-fi anthology ‘Decadence’ began in a cheap and easy to produce format in which they were able to develop their work and experiment with the short story framework, while it also provided a platform and place for the exchange of ideas with other contributing artists. They used recycled off-white paper, printing in black and white with minimal design work and information, echoing the cheap manga anthologies in Japan.

Their individual zines are looking into the various possibilities of how a comic is presented. Using strange pulpy recycled paper and design sensibilities that are closer to a scientific study often make the books seem like bizarre artefacts from a library on another world. Some of the ideas are presented through alternative publishing imprints such as ‘Decadence University Press’ appropriating the aesthetics of a respected academic institution. While the titles of these publications can be overly descriptive and specific, the wordless interior stories can give an ambiguous snapshot into other places, like watching lost documentary footage that traverses through deep time. Most of their stories are set in an apocalyptic or dystopian future and are concerned with humanity’s evolution and possible escape routes from a destructive present.

Supported by: Statens kunstfond and Rådet for Visuel Kunst

Maja Gade Christensen


Maja Gade Christensen

Fernisering 7. februar kl. 17 – 20

Artist  talk lørdag d. 29. februar kl. 13 – 15

Udstillingsperiode 7/2 – 1/3 2020

Lyset fra den velskabte solnedgang fremhæver det computergenerede landskab. Jeg bevæger mig igennem landskabet omgivet af arkitektur som er skabt i et 3D-program. Jeg følger kortet på min mobil, leger med augmented reality, bliver imponeret over hvor godt det virker. Jeg husker dengang man talte om den digitale verden som noget andet end den virkelige verden. Jeg farer vild i Ubiquitous computing. Det digitales allesteds nærværende fra den computeranimeret arkitektur omkring mig til farvekoderne af jorden under mine fødder. Hvor stopper det digitale, hvor begynder det virkelige, det fysiske? Spørgsmålet virker ikke relevant længere. Jeg kan ikke skille det virkelige og digitale fra hinanden. Den systematiske indsamling af jordprøver, er det mon et forsøg på at skabe orden i materien, ved at systematisere ursuppens mudder.
Maja Gade Christensen arbejder med landskabet ved at bruge jorden og stenene som landskabet består af. På udstillingen Imprints of Landscape interessere hun sig for mødet mellem det fysiske og digitale landskab. Det gøres ved “printe” digitale fotos med jord via fotogravure, 3D-printe vandpytter og tage direkte aftryk vandpytters sediment på papir. Hun har udvalgt steder København og Malmø som er bygget inden for de sidste tyve år. Det betyder at bygninger og bylandskaber er startet som digitale 3D arkitektur modeller inden de blev opført i byområderne.


Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond og Rådet for Visuel Kunst


De grafiske arbejder er skabt på Kirsten Kjær Museum


Danske Grafikeres Hus
Sølvgade 14
1307 København K


torsdag – fredag kl. 13-17
lørdag – søndag kl. 11-15

Old School

Old School

Udstillingen varer fra 10. jan – 2. feb 2020

Tine Hind, Jane Maria Petersen, Ken Denning, Charlotte Troldahl, Anne Louise Blicher, Karen Linnet og Julie Peter


Syv kunstnere er efter et open call for medlemmer af Danske Grafikere blevet udvalgt til at præsentere de gamle trykteknikker – ætsning, akvatinte, koldnål, monotypi, træsnit, linoluemstryk og litografi. På udstillingen er alle de gamle teknikker repræsenteret og viser stor variation af udtryksmuligheder for de gamle teknikker i nutidige udtryk.


Tine Hinds bidrag til udstillingen er et træsnit som måler mere end 2,5 meter i bredden og er blevet trykt med hjælp fra en vejtromle. Værket blev til i et samarbejde mellem Kunst & Byrum (Helsingør) og Gutenberg Arts (New York), hvor der blev afviklet en Master Class i Large-scale steamroller woodblock prints.


Jane Maria Petersen viser værker fra de seneste år der til sammen præsenter den variation af motiver og udtryk hun arbejder med i sine ætsninger og akvatinter, fra romerske kejserportrætter til E.T. og tekstbilleder. Hun arbejder med stregætsninger og akvatinte i både sort-hvid og farvetryk.


Ken Denning deltager med værker i store formater med titlen Parisvariationer. I værkerne undersøger han kombinationsmuligheder mellem træsnit og litografi i flerfarvetryk.


Charlotte Troldahl præsenterer fire linoleumstryk, der udgør en serie med titlen Rumstormerne – inspireret af kinesiske forsøg med at få planter til at vokse på rumstationer. Linoleumsmotiverne et trykt med hvid tryksværte på aluminiumsfolie.


Anne Louise Blicher arbejder med (a)symmetriske blomsterkompositioner, som hun udfolder både som fraktaler og som spejlinger i sine flerfarve monotypier.
Karen Linnet viser en serie sort-hvide værker, der kombinerer koldnål, monotypi og præg i motiver der bedst beskrives som bevægelse, luft, fugle, helikoptere.


Julie Peter arbejder primært med flerfarvede litografier. Hun udforsker det absurde i det vi antager for normalt og bruger hverdags-oplevelser som udgangspunkt til at forme de momenter der understreger det menneskelige drama. Hun konfronterer tankemønstre, som ofte ikke stemmer overens med vores handlinger, en akavethed der afspejler humoren i vores egen sårbarhed.


Udstillingens sidste dag er søndag d. 2. februar 2020


Danske Grafikeres Hus
Sølvgade 14
1307 København K


torsdag – fredag kl. 13-17
lørdag – søndag kl. 11-15

Lisbeth Bank

En Blomst i Øjet / Lisbeth Bank

Udstillingsperiode 22. november – 15. december 2019


Frugtknuder, frøkapsler, støvdragere – det er Lisbeth Banks råmateriale, når hun i udstillingen ’En Blomst i Øjet´ hengiver sig til blomstens former. Bank udforsker en række grafiske teknikker som linoleum, chine colle`, kartoffeltryk og collografi. Hvor grafisk arbejde normalt er omstændeligt og todimensionelt, eksperimenterer Bank med et skulpturelt udtryk. Hun modellerer med grafik, hurtigt og legende, ved at trykke plantestrukturer på forskellige tredimensionelle overflader.


Vi træder ind i et blomsterunivers præget af både videnskabelige traditioner og planters kulturhistorie. Ved at zoome ind på naturens muligheder, af-romantiserer Bank blomstens ellers klichéfyldte sødme. Blomsten bliver på én gang en abstrakt form, en organisme og et eksempel på en arkitektur. Det er, som om Lisbeth Bank trigger en uendelig visuel associationskæde – blomstens indre diagram eksploderer i øjet på én, og alle former, man ser, tilhører blomstens rige.


På væggen på første sal hænger en serie lerpotter, som Bank har modelleret over alrunen, en plante, der historisk er associeret med trolddomskraft og frugtbarhed. Hver potte er sit eget groteske væsen med blade og rødder. De rustikke, organiske potter står i kontrast til de stilke, der vokser fra mulden, og skal imitere blomster. Små surreelle og menneskeliggjorte tegninger og collager klippet fra barndommens familiefotos er hæftet på stilkene, der får et enkelt og stiliseret udtryk.


I videnskaben har man brugt anskuelsestavler til at visualisere blomsters strukturer, og det sindrige system mimer Bank i vinduerne. Pressede blomster, der ser næsten muterede ud, og har mistet deres sirlige Flora Danica-udseende, boltrer sig i et symmetrisk mønster, på grænsen mellem orden og kaos.


Banks æstetik er stram, men forfinet og myldrende. Hun trykker grove mønstre på fin silkepapir og anretter amorfe naturformer i glasrammer. Naturen er troværdig, og kan indtage alt, også det menneskelige. Bank mimer, udfordrer, omformer og performer vores kulturelle organiseringsprincipper, når hun vender blomstens indre på vrangen.


Lisbeth Bank er udannet fra Det Kgl Danske Kunstakademi i 2007. Hendes kunst tager oftest udgangspunkt i naturen og dens biologiske principper, den former og processer og omsætter det til sit eget formsprog.


I samarbejde med Pernille Bøggild  havde hun i 2018 to store soloudstilliner . Entomolomani på Landskrona Kunsthall og To Antenner på Munkeruphus.


Malou da Cunha Bang


Af Malou da Cunha Bang


Fernisering d. 25 oktober kl. 17 -20


Udstillingen er åben torsdag til søndag i perioden 26 okt. – 16 nov.


Udstillingen Nærkontakt udforsker grænseoverskridende, akavede og omklamrende møder mellem mennesker i en serie af grafiske tryk.


Klaustrofobisk næstekærlighed. Misforstået indblanding. Ulidelig omgang med medmennesker på sparsom plads. Umulig navigering i offentlige rums påståede neutralitet. Vi manøvrerer, undviger eller antaster, når vi deler hinandens nærhed ved busholdepladser, i supermarkedskøen, på offentlige toiletter, i venteværelset. Og vi prøver at aflæse, vi overser, trækker os væk eller rækker alt for langt ud, når vi skal møde hinanden i det private og intime fællesskab. Grænser overskrides med venlighed og misforstået entusiasme. Og hverdagen bliver gradvist fyldt med kærlighed, der kvæler med umulige forventninger og gode intentioner.


Der er en omsorg imellem karakterne, som balancerer på grænsen til omklamring. Et kram for den ene opleves som et kvælertag for den anden. En kærlig gestus bliver anmassende eller en byrde.


I udstillingen Nærkontakt arbejder Malou da Cunha Bang med at udtømme alt det kvalmende, akavede eller uforståelige i ordinære hverdagssituationer ved at tage udgangspunkt i filmisk materiale som oversættes til trykmediet. Oversættelsen fra video til tryk fastholder karakterenes handlinger, og scenernes flygtige momenter udstrækkes. Hverdagssituationernes tvetydighed eksponeres til et punkt, hvor de manifesterer sig som en næsten fysisk tilstedeværelse af fastfrosset ubehag.


Malou da Cunha Bang (f. 1982) er uddannet fra Kungl. Konsthögskolan i Stockholm. Hun arbejder primært med video og dybtryksgrafik.


Danske Grafikeres Hus

Sølvgade 14

1307 København K
Åbent torsdag+fredag kl. 13-17
Lørdag+søndage kl. 11-15

Web: www.maloudacunhabang.com

Dorte Naomi

Dorte Naomi

”Filosofi og Natur – den kosmologiske tidsrejse”

Udstillingsperiode: 28/09-19/10 – 2019



Tag med på en rejse af kosmologisk karakter igennem grænseløse verdener. Dorte Naomi
viser nye tryk som tilsammen udgør en filosofisk fabel om mennesket og andre gespensters færden, fra de jordiske riger og helt ud i kosmos og tilbage igen.


Vi vil rejse ved sindets kraft og lade fysikken dingle derudaf. En kosmisk kulisse beklædt med astral bevidsthed og en del slimede mutationer. Nogle vil genkende steder og psykiske senarier, andre vil ikke. Lad det være sagt at de grafiske fortegnelser er gjort over oplevede hændelser. Spor af nødder og plasma kan forekomme.




Kaspar Sivertsen

Kaspar Sivertsen – Void draw

Udstillingsperiode: 31. august – 22. september

Udstillingen tager udgangspunkt i spørgsmålet ‘Kan kunstig intelligens overtage kunstnerens job?’. Der udstilles store tryk i begrænset oplag, samt en masse små unika tryk. Derudover vil der være en projektion de kodegenererede motiver. Udstillingen er lavet af Kaspar Sivertsen. Det er hans første soloudstilling.

Projektet har en eksperimentel tilgang til digitale redskaber og bringer nytænkende digitale formgivningsmetoder ind i dansk grafik og kunsthåndværk.
Intentionen med projektet er at udforske samspillet mellem gamle trykteknikker og nye digitale redskaber. Kaspar Sivertsen undersøger både teknikkernes visuelle potentia- ler, samt mulighederne for at udvikle nye tilgange til designprocessen, hvor de digitale redskaber gøres aktive i den fysiske verden.
I hele processen har Kaspar Sivertsen ageret maskinens fysiske vejleder og formidler. Med projektet har han udformet en serie af tryk i forskellige størrelser, som viser at maskiner også kan være autonome og poetiske.

Motiverne er blevet til ved at en kode bliver kørt i programmet Processing, som så udformer forskellige kodegenererede motiver. Alle motiver kommer fra samme kode. De udvalgte motiver bliver enten CNC-fræset eller lasergraveret i valchromat. Heref- ter bliver de digitale træsnit trykt på en trykpresse.

Kaspar Sivertsen er uddannet grafisk designer (cand.des.) fra Kunstakademiets Designskole og driver til daglig virksomheden Autotypo. Her arbejder han både med grafisk design til digitale og analoge medier. Autotypo er også et letterpress værksted, hvor Kaspar Sivertsen trykker alt fra visitkort til kunsttryk og afholder workshops.
Projektet er delvist støttet af Statens Kunstfond

Calder Harben and Maria Nørholm Ramouk

a tempo on a second glance never takes the same shape
/ Calder Harben and Maria Nørholm Ramouk

Udstillingsperiode 30. august – 24. august 2019

The exhibition a tempo on a second glance never takes the same shape brings together new work by artists Calder Harben and Maria Nørholm Ramouk. Both artists are invested in the ephemerality of comprehension and how we understand rhythms of time. By turning to the practice of mark making as a way of tracking time, each artist explores the ephemeral through a material practice.

In the work of Calder Harben this is done through a new sound and print installation “trying to find another way to reach you” which presents a voice reading a short text written by Harben that questions the tempo of our ways of communicating. All life on earth is subject to the same progression of time. Slowing down recordings of Nightingales starts to take the likeness of a humpback whale song, and vice versa. A dragonfly is able to process their surroundings at a speed 10 times that of humans. How do we attune ourselves to a kind of listening that opens onto others across species? Challenging the ways we were taught to communicate, both to listen and to speak, is more critical than ever. What are we understanding, or misunderstanding?

In the work of Maria Nørholm Ramouk this is explored through stones, shadows and light. By creating different constellations with four adder stones, Nørholm Ramouk marks their shadows which appeared, moved and travelled with the sun. Having a visual approach to the objects, Ramouk seeks to get closer to the understanding of their progression over a longer period of time. The black shape, the shadow, becomes a fixed point on an ongoing journey. Over time the holes are washed out by nature. The sea has slowly but steadily dragged out the chalk from the stones, which is absorbed back into the sea, melted and dispersed throughout.

36.52°C i cyklus og andre rytmer
/ Arendse Krabbe

Udstillingsperiode: d.31/5 – 22/6.2019

I udstillingen 36.52°C i cyklus og andre rytmer undersøger Arendse Krabbe rytmer. Hun undersøger, hvordan hendes kropsrytmer påvirkes af den verden, hun indgår i, en verden der består af et kaos af hormonprodukter, mennesker, politiske situationer, planter og kosmiske kræfter. Arendse Krabbe lytter til møderne imellem kroppen og kaosset og til de rytmer, møderne afstedkommer. Ved at lytte til rytmerne åbnes en musisk verden, der imødekommer den besøgende i udstillingen. Ifølge kunstneren kan det at lytte frembringe en sensibilitet der former en anden fremtid, end den vi som fællesskab står overfor lige nu. 
Udstillingen tager udgangspunkt i undersøgelser foretaget i det foregående år, hvor kunstneren har opholdt sig i Rio de Janeiro, Paris og København. Undersøgelserne krystalliserer sig som improvisationer, lyttesituationer, drømme- og dagbogstekster samt cyanotypi.

Cyanotypierne er aftryk af negle, hår, støv og frø. I cyanotypierne skabes relationer imellem en afklippet negl og en nymåne, imellem støv og kosmisk støv, imellem frø og potentiale. Lyttesituationerne tager afsæt i planter og andet organisk materiale indsamlet af kunstneren. Plantematerialet benyttes som instrumenter i en improvisation orkestreret af Arendse Krabbe. Den besøgende inviteres til at skrive sig op til en 20 minutters lyttesituation. 

To arrangementer finder sted i udstillingsperioden: 

En fuldmåne improvisation den 17. juni kl.10.00 

En solhvervs improvisation den 21. juni kl.17.30

Mødestedet er Danske Grafikeres Hus.

Sølvgade 14
1307 København K

Om kunstneren: 
Arendse Krabbe (1979) bor og arbejder i København. Hun er uddannet på Det Kongelige Danske Kunstakademi, Goldsmiths University of London og Københavns Universitet. Hun har bl.a. udstillet på Museum Ovartaci, Kunsthall Trondheim og Lumiar Cité i Lisabon. 36.52°C i cyklus og andre rytmer er Arendse Krabbes anden soloudstilling. Udstillingen er støttet af Rådet for Visuel Kunst.
*Der er trapper for at komme ind i Danske Grafikeres Hus og trapper for at komme op på 1. sal.